TAREA 1: BIOGRAFÍA DE AUTORES
CONOCIENDO...🔍🎨
¡Hola a todos!
Me paso por aquí para presentaros a tres autores sobre los que me ha tocado investigar en Expresión Plástica. Estos tres artistas son Giotto di Bondone, Jean Philippe Arthur Dubuffet y Fátima Mazmouz. Además, me ha tocado exponer a Fátima, también, os adjunto el link de la presentación que he empleado para que lo veáis. Espero que os guste y que aprendáis. ¡Un saludo y hasta dentro de unos días! 🙋😊
GIOTTO DI BONDONE
Giotto
di Bondone quizá elaboró su autorretrato en el fresco del Juicio Final, en la
capilla Scrovegni de Padua.
Figura
1. Autorretrato Giotto di
Bondone. Extraído de <<Giotto>> de Giotto di Bondone.
Este
retrato, que se adjunta a continuación, está asignado a Paolo Uccello, el cual formó parte del desarrollo de la
historia del arte mediante sus estudios sobre perspectiva. En él podemos
observar a Giotto.
Figura 2.
Retrato Giotto di Bondone. Extraído de <<Giotto>> de Paolo
Uccello.
Giotto
di Bondone nació en el norte de Florencia (Italia) concretamente en una aldea
llamada Vicchio. No existe información fiable sobre este artista, pero se cree
que nació en el año 1267. Giotto residió en diferentes lugares como Roma,
Padua, Arezzo, Rímini, Asís y Nápoles, además de Florencia y la aldea en la que
nació (Vicchio).
El
principal maestro de Giotto di Bondone fue Cimabue, el cual además de pintar,
creó los mosaicos. Este artista vio a Giotto pintar en una roca las ovejas que
formaban el rebaño de su padre y Cimabue decidió enseñarle. Giotto desarrolló
un estilo bastante diferente al de su maestro. Giotto di Bondone se vio
influenciado por los relieves del arte clásico y por las pinturas que adornaban
las iglesias.
Bondone
se caracteriza por pintar fundamentalmente temas religiosos a los que asignaba
una apariencia terrenal llena de sangre y fuerza vital. También, realizaba
obras sobre temas marianos en las que hace su propia interpretación de la
Virgen María, pero en estas obras aparece bastante volumen y estudio del
espacio.
Giotto
rompe con los convencionalismos iconográficos y trata de abandonar en sus obras
la representación idealizada. Así, figuras y personajes de Giotto muestran
posturas, gestos y expresiones poco vistas en la época.
Por
otra parte, Giotto, mediante sus obras, transmitía el estrés, la búsqueda del
alma, la alegría y el dolor.
Giotto
emplea fundamentalmente la técnica pictórica de al fresco en sus obras. Este
pintor fue el introductor de esta técnica pictórica. Consigue crear un
tratamiento nuevo del espacio y una nueva reflexión del arte y de los artistas
en la sociedad. El fresco es una técnica que consiste en pintar sobre una masa
de yeso húmeda con diferentes pigmentos minerales, los cuales están diluidos en
agua. Cuando la cal se seca, los pigmentos se unen y se establecen los colores,
que ya no podrán ser disueltos.
Giotto
es un pintor que realizó retablos y frescos para una gran cantidad de iglesias,
pero la mayor parte de ellos han desaparecido o han tenido que ser restaurados
casi en su totalidad.
Giotto
comenzó su trayectoria, como he mencionado anteriormente, cuando Cimabue se
quedó impresionado al ver la manera en la que el artista había dibujado al
rebaño de ovejas que cuidaba. Cimabue decidió llevárselo con él para formarlo
en el arte de la pintura.
Sus
primeros años los pasó en el taller de Cimabue, pero pronto empezó a recibir
sus propios encargos, la mayor parte de ellos eran trabajos religiosos. Con
Cimabue, Giotto elaboró varios frescos de la Basílica Superior de Asís. Pintó
escenas de la vida de San Francisco, las cuales forman 28 pinturas en las que
describe desde la juventud de San Francisco hasta su muerte, así como los milagros
de esta.
Su
manera de representar el espacio de forma realista lo convierte en uno de los
primeros artistas que formaron parte de la creación del Renacimiento italiano.
Sus obras constituyen el punto de inflexión entre el arte bizantino que existía
en la Edad Media y el realista y humanista que apareció en el Renacimiento.
Su
punto culminante de madurez artística fueron los frescos para la Capilla de los
Scrovegni (Papúa).
Giotto
pintó el fresco del Juicio Final, las 14 alegorías de Vicios y Virtudes, La
deposición de Cristo, El beso de Judas e hizo pinturas en la basílica de la
Santa Cruz en Florencia. También, en la capilla Peruzzi representa la vida de
San Juan Bautista y Juan Evangelista y en la Capilla Bardi hace escenas de San
Francisco de Asís. Madonna de Ognissanti y el crucifijo de la Iglesia de Santa
María Novella en Florencia son otras de sus obras.
En
la última etapa de su vida, dirigió los trabajos de la catedral de Florencia y
de las obras urbanas de la ciudad. Este fue el último encargo que recibió y
tuvo lugar hacia 1334. También, diseñó el campanile (campanario) de la catedral
de Florencia, el cual no vio acabado, ya que murió el 8 de enero de 1337.
Giotto
le da mucha importancia a la tridimensionalidad del espacio, del volumen de los
personajes y de los gestos de las manos y de la cara. En sus obras predominan
los colores brillantes y luminosos. El artista llega a juntar los azules,
verdes, rojos, blancos, colores tierra y negros en una misma obra. También, las
escenas tienen muchos detalles por el carácter narrativo de las obras.
Por
otra parte, en sus obras destaca la naturaleza. De esta manera, el pintor
interviene en la preparación del espíritu científico del Renacimiento. La naturaleza es expresiva y se relaciona con
los sentimientos de los personajes, los cuales individualiza con
características propias. Las caras y gestos de estos son naturales y
significativos. El paisaje es abierto y el arte de Bondone es innovador.
Empleaba, en perspectiva, líneas amplias y redondeadas para representar la
figura humana.
La
pintura de Giotto influyó en artistas contemporáneos tanto de Italia como de
fuera de ella. Algunos pintores como Cézanne o Rivera fueron influenciados por
Giotto. Cézanne en el siglo XIX y Rivera en el siglo XX.
Por
otro lado, Giotto era capaz de transmitir sentimientos (alegría, estrés…)
mediante su pincel y esto pasó a pintores del arte renacentista como Massaccio,
Miguel Ángel, Mantegna, Tiziano, Rafael, Leonardo Da Vinci, Botticelli,
Altichiero o Jacopo Avanzi. Finalmente, la influencia de este artista llamado
Giotto se puede observar a lo largo de todo el Trecento.
JEAN PHILIPPE ARTHUR DUBUFFET
Jean Philippe
Arthur Dubuffet realizó su autorretrato II en 1966.
Figura 3. Autorretrato Jean Philippe Arthur
Dubuffet. Extraído de <<Dubuffet>> de Jean Dubuffet.
El retrato que se expone a continuación pertenece a Jean
Dubuffet y fue realizado por Paolo Monti en 1960.
Figura 4. Retrato Jean Philippe Arthur
Dubuffet. Extraído de <<Dubuffet>> de Paolo Monti.
Jean Dubuffet nació el 31 de julio de 1901 en Le Havre, una localidad francesa en la que su familia tenía un negocio de vinos.
El
artista vivió en su ciudad natal y después se trasladó en 1918 a París.
Posteriormente, se fue a Argentina y tras tres meses allí, regreso a Le Havre
en 1925 con el objetivo de llevar su negocio familiar. Cuando se casó volvió a
Paris. En esta ciudad abrió su propio negocio de vinos en Bercy.
Finalmente,
Dubuffet murió el 12 de mayo de 1985 en París, Francia. La causa de su muerte
fue una crisis cardiaca a los 83 años.
Las
escuelas en las que aprendió Jean Philippe Arthur Dubuffet fueron, en primer
lugar, la Escuela de Bellas Artes de su ciudad natal, es decir, de Le Havre en
la que se inscribió a los 15 años y, en segundo lugar, la Academia Julián de
París en la que estudió pintura.
El
momento más importante en la carrera de Jean fue en el otoño de 1942, ya que decidió
dedicarse solamente al arte, haciendo su primera exposición individual en el
año 1944. A finales de esta década, su pintura comenzó a tener una fuerte
influencia del surrealismo, un movimiento artístico y literario que nació en
Francia después de la Primera Guerra Mundial.
Jean
Dubuffet creó el Art Brut (arte en bruto). Se trata de la corriente de arte
elaborado por no profesionales que trabajan fuera de las normas estéticas. Por
tanto, desde que Dubuffet diseñó el Art Brut, las formas artísticas que le
llaman la atención están muy alejadas de los modelos tradicionales culturales.
Estas obras nacen de la exclusión y del enclaustramiento.
El
objetivo de Jean Dubuffet en sus obras era representar temas de la vida
cotidiana. Sentía aprecio por el instinto, el capricho, la violencia, la
pasión…es decir, por los valores del salvajismo. Jean pensaba que los valores
de nuestra cultura no se correspondían con la manera en la que pesaban los
seres humanos. También, se negaba a aceptar la idea de que hay personas y
objetos feos.
El
artista emplea formas y técnicas no convencionales, es decir, inusuales. Dichas
técnicas se basan en la combinación de lo cotidiano con el uso de materiales
como por ejemplo carbón, arena, vidrio… los cuales son configurados por él de
manera diversa.
La
creación plástica del ser humano sin formación, los garabatos sobre las
paredes, los dibujos realizados por los niños y por las personas, la expresión
alejada de patrones y normas artísticas establecidas. Estos elementos
entusiasmaban a Dubuffet.
Jean
Philippe Arthur Dubuffet realizó la colección de Art Brut, collages, ensayos en
los que aparecen sus reflexiones y críticas y dibujos en formato pequeño,
además de esculturas y monumentos localizados en diferentes ciudades de Europa.
El artista vuelve a la abstracción con sus últimas producciones llamadas
“Miras” y “No-Lugares”.
Como
he mencionado anteriormente, Jean comenzó su carrera a los 8 años al empezar a
hacer pequeños cuadritos. Después, se inscribió en la Escuela de Bellas Artes
de Le Havre.
En
1918 decidió incorporarse a la Academia Julián para estudiar pintura, pero a
los seis meses lo dejó para trabajar de manera independiente. En ese tiempo
conoció a Raoul Dufy (pintor fauvista y cubista), a Max Jacob (poeta,
dramaturgo, escritor y pintor) y a Suzanne Valadon (pintora francesa).
Entre
1920 y 1922 realizó estudios intensivos y vivía de forma solitaria. En 1924,
dejó de pintar. Estuvo en Argentina, pero volvió a Le Havre para llevar el
negocio familiar. Se casó y se trasladó a París. Allí, abrió su negocio de
vinos. En 1942 decidió dedicarse al arte exclusivamente. En 1944, hizo su
primera exposición individual. En 1954, Jean se interesó en la búsqueda de
obras marginales y más tarde creó el primer enfoque teórico del Art Brut.
Las
obras de este artista se caracterizan por tener un carácter creativo y por el
empleo de diferentes materiales. Muchos de sus trabajos fueron hechos con
óleos, empleando un lienzo reforzado con materiales, como, por ejemplo, paja,
arena…proporcionando a la obra una textura inusual. Desde 1962, utilizó colores
como el rojo, negro, blanco y azul y a finales de la década de 1960 se centró
en la realización de esculturas y montajes, algunos de ellos se encuentran en
diversas ciudades europeas. Para estas obras, por lo general de grandes
dimensiones, empleó materiales de desecho a los que pretendía dar gran
valor.
En
sus últimos años, fundamentalmente en sus obras pictóricas, usó el color con
menos violencia y de manera más estudiada, lo que dio lugar a producciones
menos agresivas.
Jean
influyó en bastantes grupos contemporáneos como por ejemplos el Grupo CoBrA
(1948-1951), el Art Informel (movimiento), el Taquismo (estilo de pintura) y en
artistas individuales como Karel Appel y Anselm Kiefer.
FÁTIMA MAZMOUZ
La
imagen que aparece a continuación corresponde a Fátima Mazmouz y forma parte de
su obra llamada “A corps rompu”.
Figura 5. Autorretrato Fátima Mazmouz. Extraído
de <<Fátima Mazmouz>> de Fátima Mazmouz.
Figura 6. Retrato Fátima Mazmouz. Extraído de
<<Fátima Mazmouz>> de Nacho González, El País.
Fátima
Mazmouz nació el 2 de mayo de 1974 en Casablanca, Marruecos. Es fotógrafa,
artista visual y conceptual. Unos meses después de su nacimiento, se trasladó a
Mantes-La-Jolie y luego pasó otro tiempo entre París y sus alrededores. Su
infancia se caracteriza por la gran cantidad de viajes de ida y vuelta a
Marruecos. Actualmente, vive y trabaja en Francia y, también, en Marruecos.
Mazmouz
estudió Historia del Arte en La Sorbona, que es una universidad de París. En
este mismo lugar realizó un máster en Historia del Arte Contemporáneo.
Posteriormente, empezó a investigar la escritura de la historia del arte en los
países árabes. En ella, analizó los elementos del sistema colonial y el postcolonial.
Para
las representaciones escénicas, estudió Aita, una forma de arte tradicional que
aún se encuentra activa en la cultura popular marroquí actual. También,
aprendió sobre los Chikates, mujeres atrevidas que influyeron en la poesía, la
historia, la literatura y el activismo marroquíes, por tanto, fueron personas
que tuvieron una gran importancia.
Fátima
Mazmouz se define como una persona autodidacta, es decir, aprende nuevos
conocimientos a partir de los medios de los que dispone. Por tanto, la artista
no aprendió por medio de maestros, escuelas de artes plásticas… Esto hizo que Fátima
contara con una gran libertad artística a la hora de realizar sus producciones.
El
tema principal de las creaciones de Fátima Mazmouz es el cuerpo de la mujer y
su comunicación. A partir de este, derivan otros temas bastante relevantes como
el feminismo, ya que la artista pretende que a las mujeres se les reconozcan
sus capacidades y los derechos que tradicionalmente solo han tenido los
hombres. También, son importantes los temas del multiculturalismo (coexistencia
de distintas culturas en un mismo país o sociedad) y la inmigración. Otros
temas tratados en sus obras son el embarazo y el aborto.
Fátima
Mazmouz ha hecho proyectos innovadores que muestran las experiencias que ella
ha vivido como mujer marroquí.
Ha realizado numerosas exposiciones en las que
ha mostrado sus fotografías. En ellas se pueden observar collages, retratos…y
muestran los temas que he mencionado anteriormente, por ejemplo, el aborto, el
embarazo…fundamentalmente el cuerpo femenino.
La
artista, además de fotógrafa, es escritora y, en 2014, publicó un libro
titulado ‘Super Oum’. En él trata el cuerpo de la madre.
Fátima
pixela las imágenes, las desenfoca…y todo lo hace a su gusto. Realiza las
fotografías, las analiza y avanza tanto en su teoría como en su pensamiento.
Super
Oum es un personaje inventado por Fátima Mazmouz. Se trata de una madre
universal. Una mujer que, al mismo tiempo, tiene cualidades masculinas. Ella es
una luchadora y lo que pretende demostrar por medio de este personaje es la
idea de resistencia.
Desde
sus inicios, la producción artística de Mazmouz ha constituido un medio para
cuestionar la idea de identidad en toda su complejidad: género, cuerpo… con los
estereotipos que esto implica. Fátima realiza enlaces entre lo íntimo y lo
político-sociocultural. Por tanto, el multiculturalismo se convierte en un tema
importante en su trabajo, donde la reflexión sobre el cuerpo también es un elemento
esencial.
Desde
1998, enfocó su investigación hacia los rituales sociales marroquíes en
Francia, destacando, de esta manera, los cambios culturales. En este tiempo,
trata el tema de la inmigración. También, desarrolla un proyecto llamado
‘Interior Exiles’ que concentra los mundos interiores que residen en la
artista.
Desde
2005 hasta 2015, Fátima se ha interesado en el cuerpo del aborto mediante un
proyecto artístico llamado ‘A corps rompu’.
A
partir de 2009, trató el cuerpo del embarazo, un proyecto que dio origen al
libro ‘Super Oum’ publicado en 2014.
El
cuerpo femenino es el elemento fundamental en las producciones artísticas de Fátima
Mazmouz, ya que todas sus exposiciones están relacionadas la mujer y su cuerpo.
Fátima
ha expuesto en bastantes lugares del mundo. Algunos de ellos son Roma, Madrid,
Ameres, Paris, El Cairo y Ámsterdam. También, ha participado en eventos
culturales de gran importancia como en la Sexta Bienal de Fotografía Africana
de Bamako (2005), en el Festival Internacional de Fotografía de Arles (2006),
París-Photo en el Carrousel du Louvre (2009), en el Arab World Institute en
París (2015), en la Bienal de Dakar (2016) y en Las Halles de la Villette,
París (2017).
Además,
la artista del siglo XXI realiza conferencias para profundizar en distintos
temas relacionados con el arte africano y con sus producciones artísticas.
También, os dejo la bibliografía consultada:
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https://www.milleworld.com/two-moroccan-artists-unravel-what-it-means-to-be-an-arab-woman/
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https://tiposdearte.com/giotto-di-bondone/
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